Несколько картин в одной композиции как называется: Как называется картина из нескольких частей и где ее купить
Содержание
Почему картины так дорого стоят и еще 9 важных вопросов об искусстве
Для чего художникам рамы, нужно ли понимать сюжет картин и как отличить шедевр от дешевки — «Афиша Daily» разбирает книгу Сьюзи Ходж «Почему в искусстве так много голых людей», вышедшую в рамках совместной издательской программы музея современного искусства «Гараж» и Ad Marginem.
Bсе ли картины вставляют в рамы?
Цитата из книги
«Обычно картины вставляют в рамы, выставляя их напоказ. Рамы привлекают внимание к картине и защищают ее края. Некоторые рамы отличаются вычурностью, особенно у старинных работ, которые когда-то висели в особняках. Другие рамы совсем простые, они не отвлекают от созерцания искусства. Предназначение рам — дополнять картины, заключенные внутри, показывать их с лучшей стороны.
Пит Мондриан считал, что рамы подобны стенам. Иногда кажется, будто они встают между зрителями и искусством, словно создавая препятствие, отделяя живопись от всего остального мира.
Мондриану хотелось, чтобы все получали удовольствие от его работ и никто не чувствовал себя отделенным от них. Он писал на краях холста. А иногда даже на боковинах.
Он разрушил эти стены!
Жоржу Сёра не нравилось, что рамы отбрасывают тень на края картины. И он сам изобразил раму. Она состоит из тысячи крохотных точек более чем 25 разных цветов.
Знаешь ли ты, что изображение на телеэкране складывается из точек, которые называются пиксели? Эта картина была написана более чем за 50 лет до того, как изобрели цветной телевизор!»
Комментарий
Может показаться смешным отдавать целую главу рамам, тем более — практически начинать с этого книгу. Но в этом есть свои резоны. Во-первых, мы никогда не смотрим на картину в пустоте. Свет, высота, на которой она расположена, соседние работы, аннотации — все это создает пространство вокруг нее. Рассуждая о современной скульптуре, непременно говорят об окружающем ее «поэтическом пространстве»: смысл какой-нибудь абстрактной скульптуры рождается только тогда, когда на нее смотрит зритель.
Во-вторых, действительно, рама часто становится сюжетом самой картины — как доказано на забавных примерах выше. Наконец, рама — обязательное звено цепочки вопросов и ответов, которое поможет лучше понять произведение. После того как разберешься с тем, кто автор и повлиял ли он на историю искусства, можно мимоходом взглянуть на раму. Кстати, в 1990 году в нью-йоркском Метрополитене была своего рода выставка наоборот: музей выставил множество пустых рам, чтобы обратить внимание на часто игнорируемую реальность.
Почему все плоское?
Цитата из книги
«Не все предметы искусства выглядят объемными.
Двухмерные, или 2D, изображения плоские, как эта страница. Трехмерные, или 3D, — имеют высоту, ширину и глубину, как мяч.
В разные времена искусство было либо таким же плоским, как поверхность, на которой писали художники, либо объемным, как реальные вещи.
Многое древнее искусство, как, например, египетская роспись на стенах, выглядит плоским.
Она больше напоминает диаграммы и совершенно не похожа на жизнь.
Еще в древние времена художники умели передавать объем, и плоские изображения они рисовали специально.
В Древнем Египте знатных людей хоронили в расписанных гробницах вместе с их сокровищами. Стены гробницы украшали рисунками, не предназначавшимися живым. Они показывали богам, чем люди занимались при жизни.
Изображение выглядит плоским, чтобы быть понятнее богам.
<…> Что стоит на столе? Видишь ли ты вазу с цветами, стакан, игральную карту и окно рядом?
Жан Метценже не соблюдает законы перспективы, но все равно хочет показать, что предметы на картине трехмерные. Поэтому он изображает их одновременно под разными углами. Такая техника называется кубизмом».
Комментарий
Этот пункт отражает общий скепсис о том, что художники разучились достоверно изображать трехмерную действительность — грубо говоря, «рисовать похоже». Автор «Голых людей» Сьюзи Ходж заручается поддержкой древних мастеров, абстракционистов и кубистов.
Собирать их вместе под маркером «плоское» довольно смешно — кубисты как минимум создают больше трех плоскостей в своей картине, а иногда даже изображают один и тот же объект в разные моменты времени, так что плоскими их работы назвать нельзя. Тем не менее на этот детский вопрос нет однозначного ответа, и каждый раз нужно думать, почему художник решил сделать все плоским. Ходж забывает о культурной специфике: перспектива — европейское изобретение, и в искусстве многих стран она может в принципе не встречаться. Рассуждение о том, что плоское изображение становится более декоративным и абстрактным, вполне резонно — как и ассоциация «плоского» и «древнего». Но при этом Ходж почему-то избегает очень простого и очевидного вывода: убирая одни детали из изображения, автор акцентирует внимание на других. Грубо говоря, упрощая (и уплощая) изображение, художник может сделать его более выразительным, и во многих случаях за счет упрощения ему будет легче этой выразительностью управлять.
Почему в искусстве так много голых людей?
Цитата из книги
«В живописи, скульптуре и фотографии обнаженные люди встречаются очень часто.
Все пошло от древних греков, считавших, что обнаженное тело прекрасно и достойно изучения. Даже сегодня художники учатся рисовать голых людей, чтобы лучше понять форму тела. Это называется рисованием с живой натуры.
Обнаженная Венера, римская богиня любви и красоты, плывет, стоя в створке раковины. Согласно древней легенде, Венера родилась уже взрослой и перемещалась по морю. Боттичелли написал свою картину через много лет после возникновения этой легенды.
В искусстве нагота часто обозначает новую жизнь. Во времена Боттичелли женщины тщательно укрывали свои тела. Но Венера обнажена, так как она богиня, а не обычная женщина!
Многие художники считают, что женское тело красивее мужского, поэтому в искусстве обнаженные женщины встречаются чаще обнаженных мужчин.
В 1960 году Ив Кляйн придумал новый способ изображать женские тела. Он обмазывал обнаженных женщин синей краской и укладывал их на гигантский холст на полу. Они служили «живыми кистями».
Комментарий
Самая интригующая глава книги вынесена в заголовок — что, в общем-то, довольно понятно.
Но ясного ответа на вопрос мы здесь тоже не найдем — среди предложенных вариантов собрано сразу несколько: изучение пластики тела и его красоты, символ жизни и пощечина общественному мнению. Тут, впрочем, нет никакой загадки: мало вещей на свете вызывают у человека такую же сильную реакцию — интерес и неловкость, стыд и желание, восхищение или, напротив, отвращение, — как нагота. Обнаженное человеческое тело в искусстве — и, по разным причинам, именно женское — самый сильный символ жизни и смерти. В этом смысле голое тело — это инструмент художника, который он может либо изобразить на картине, либо показать в жизни. В последнем случае речь идет о перформансе. Обнаженный перформанс будет более волнующим, иногда хрупким, иногда неприятным. Кроме того, нагое тело — это еще и обязательный символ искренности, который любил использовать Люсьен Фрейд, показывая беспомощность человеческого существа. При этом обнаженное тело в европейской традиции настолько тесно увязано с идеей красоты, что демонстрация излишне неприятного тела, как это любил делать Фрейд, шокирует не меньше и заставляет задуматься о старении и увядании.
С рассуждением о преобладании обнаженных женщин над мужчинами все тоже не так просто: в царской России, например, можно было рисовать только обнаженную мужскую натуру, а за женской художники традиционно отправлялись в Италию.
Нужно ли знать сюжет картин?
Цитата из книги
«Истории рассказываются во всех видах искусства — от живописи и скульптуры до кино.
Произведение искусства — это окно в воображение другого человека. Мы видим факты и истории чужими глазами.
Примерно 160 лет назад существовало движение под названием «Братство прерафаэлитов». Художники этого течения писали сюжеты, часто почерпнутые из истории. Их картины иногда называли «романами в рамах». Милле был прерафаэлитом.
<…> Красавица Офелия утопилась, и художник воображает, как это могло произойти. Чтобы картина была интереснее, он украшает ее многочисленной символикой. Например, красные маки и голубые незабудки означают память или поминовение мертвых.
Это хорошо известный сюжет, и люди повалили толпой в Королевскую академию в Лондоне, где картина была впервые выставлена в 1852 году.
За этим произведением искусства стоит своя история. Корнелия Паркер хотела создать настроение, атмосферу, заставить нас задуматься о нашей жизни и о том, что мы оставим после себя.
Мы мало думаем о сарае в саду. Мы храним в нем ненужные вещи, о которых быстро забываем. Паркер решила его взорвать!
Затем она собрала куски обугленного дерева и покоробившегося металла и на леске подвесила их к потолку. В середине она расположила лампу, чтобы на стены отбрасывались зловещие тени».
Комментарий
В этой главе автор делает хитрый ход и пытается приравнять историю создания картины к ее сюжету. Зачем это нужно? В XX веке искусство во многом стало бессюжетным, и если раньше без понимания истории было невозможно разбираться в искусстве (например, считывать классические иконописные сюжеты — и благодаря этому осознавать, совершил или не совершил художник революцию в данной работе), то теперь куда большую важность приобрели история художника и история создания конкретной картины.
Следить за биографией автора стало так же увлекательно, как за сезонами сериалов-долгожителей: Ай Вэйвэй перебрался в Европу, стал больше радеть за мигрантов, но оттого вдруг стал менее интересным, или, скажем, Цай Гоцян — переквалифицировался в мастера больших технологических фейерверков и растерял все свое концептуальное обаяние. А вот Ричард Лонг: всю жизнь топтал тропинки по всему миру, не предал свои идеи, за что и вошел во все учебники по ленд-арту.
Кто все эти люди?
Цитата из книги
«Многие картины заполнены людьми, но кто они такие?
В прошлом, еще до изобретения фотографии, знатные люди заказывали свои портреты. Художники должны были показать, насколько заказчики могущественны, красивы и богаты. Часто художнику для групповых портретов позировали целые семейства.
<…> На портрете Эдварда Хоппера изображены две модницы за столом в ресторане. В отличие от портретов прошлого, эти женщины не являются важными персонами. Они самые обыкновенные и не отличаются от случайных посетителей.
В толпе мы видим множество неизвестных нам людей, и именно их хотел изобразить Хоппер.
И хотя он показывает двух незнакомок, моделью для обеих послужила жена Хоппера!
<…> Для слепка головы Марк Куинн использовал собственную кровь. Скульптура хранится в холоде, иначе она растает.
По словам Куинна, это напоминание о том, как хрупка жизнь. Каждые пять лет скульптор изготовляет новую голову, так что можно увидеть, как он стареет».
Комментарий
Действительно, размышляя о том, кто же изображен на картине, нужно прежде всего подумать о заказчике работы. Сопоставив время написания и главного героя, можно выдвинуть гипотезу даже о том, насколько художник был успешным. Библейские сюжеты часто писались по заказам церкви, хотя были, конечно, и частные поручения. До импрессионистов портреты писались в основном на заказ для богатых людей, поэтому французские художники совершили революцию, когда начали рисовать обывателей, — правда, потом им пришлось думать о том, как продать все эти картины.
А по работе Марка Куинна легко сделать вывод о том, что художник не голодает и проблем импрессионистов не испытывает: для его работ нужна не столько храбрость, сколько солидные бюджеты.
Зачем на картинах фрукты?
Цитата из книги
«Художники часто рисуют яблоки и апельсины, но зачем?
В первую очередь фрукты надежны. В отличие от моделей-людей, они не моргают, не дергаются и не требуют чая.
Изображение фруктов помогает художникам изучить формы, цвета и тона природы.
Такая живопись называется натюрмортами. До изобретения фотографии художники демонстрировали свои таланты, создавая реалистичные натюрморты. Но затем все изменилось…
Поль Сезанн написал эту картину уже после изобретения фотоаппарата, и он не чувствовал, что его задача — копировать действительность. Это мог сделать и фотограф!
Он написал круглые фрукты на плоском холсте, но в новой манере. Чтобы показать формы фруктов, он изобразил каждое яблоко одновременно под многими углами, в разных ракурсах.
Кажется, что яблоки вот-вот упадут со стола.
<…> Эта картина имеет двойное значение. Рядом с цветами Ян ван Кессель изобразил череп — символ смерти. Это предупреждение, напоминающее о бренности жизни. Мы не должны забывать, что в конце концов умрем!
Натюрморт — это французское слово, означающее «мертвая природа». На полотне цветы выглядят как живые, но в реальной жизни они обращаются в гной.
<…> Джон Лорбир — оптический иллюзионист, прославившийся своими застывшими фигурами.
Тут все довольно путано. Он такой же объект, как фрукт, запечатленный на натюрморте, но при этом живой и не нарисованный. Время идет, а он остается неподвижным и висит на стене, как картина.
Комментарий
Хороший ответ на вопрос, но не хватает важного акцента. Натюрморт — это прежде всего исследование чистой формы. И если художник редко пишет натюрморт — как это, например, делали многие импрессионисты, — это значит, что его волнуют не формальные качества картины, а сиюминутное ощущение, которое она передает.
В натюрморты действительно закладывается мысль о бренности бытия — но нельзя принимать ее как абсолют: в конце концов, многие герои на портретах тоже смертны. Идея о том, что перформанс иногда может оказаться натюрмортом, также весьма забавна — но при этом нужно помнить, что это большая редкость.
Почему художники так любят пейзажи?
Цитата из книги
«Веками люди изображали поля, города и горы.
Но только 300 лет назад пейзаж занял важное место в искусстве. Это произошло благодаря простому изобретению — оловянному тюбику с краской! Живописцы больше не были привязаны к своим мастерским, и работа на пленэре стала реальностью.
Мужчина созерцает расстилающееся перед ним море. На этом полотне человек занимает такое же важное место, как и пейзаж.
Картина Каспара Давида Фридриха показывает власть природы. Мужчина стоит к нам спиной, так что мы видим тот же вид, что и он. Перед ним раскинулась стихия. Пейзаж выглядит таинственным и чуть тревожным.
<…> Искусство, связанное с пейзажем, не всегда бывает двухмерным. Христо и Жан-Клод укрыли 11 островов близ Майами 603 870 квадратными метрами розовой ткани. Ткань была сшита из 79 кусков, повторяющих контуры или очертания островов.
На фоне голубой воды и изумрудной зелени розовая упаковка выглядит яркой и броской.
Не всегда пейзаж обращен к природе. Иногда, как на этой картине, он несет другой смысл.
Произведение Агнес Денес говорит о том, как пейзаж может всех накормить. Долгие месяцы художница засаживала пшеницей пустырь посреди Нью-Йорка. Когда колосья были скошены, она послала зерно в 28 разных городов, где оно было посеяно, чтобы напомнить людям о существующем в мире голоде».
Комментарий
Ответ засчитан: пейзаж действительно долгое время считался второсортным сюжетом искусства. Сегодня он может быть как упражнением в форме, так и способом рассказать какую-нибудь сложную историю. Здорово, что автору удается доказать: эксперименты с ленд-артом, по сути, тот же самый пейзаж — такой, в который зритель может войти.
Это соображение можно использовать и тогда, когда вы в замешательстве смотрите на объекты Николая Полисского в Никола-Ленивце: просто представьте, что этот художник тоже рисует природу — но немного другими средствами.
Как понимать абстрактное искусство?
Цитата из книги
«Художники меняют вид предметов и людей, делая их неузнаваемыми. Или сами выдумывают объекты, которые не имеют отношения к окружающему миру. Это называется абстрактным искусством. Тут даже специалисты могут сесть в лужу. Некоторые абстрактные произведения выставлялись вверх ногами десятилетиями, и никто не замечал ошибку. Художники-абстракционисты не копируют жизнь, а изобретают то, что им нравится.
Первые художники-абстракционисты решили изображать фигуры и цвета, не представляющие ничего в реальном мире. Художники вроде Жоана Миро писали бессознательно, автоматически. Во время написания картины Миро впадал в подобие транса. Он понимал, что делает, но был точно во сне. Это абстрактное произведение, но эти странные фигуры обладали для него смыслом.
<…> Барбара Хепуорт любила создавать фигуры, напоминающие ее родной корнуэльский пейзаж. Хотя эти сферы мало похожи на семью, Хепуорт внесла в них именно этот смысл.
Кто из них мама? Видишь, ты знаешь ответ! Именно таким свойством обладает абстрактное искусство. Оно изображает то, что мы все понимаем, даже не видя этого».
Комментарий
Есть ли смысл в абстракции? Нужно ли пытаться угадывать сюжет, который стоит за ней? Если действительно хочется разобраться с этим, существует много хитростей. Самая простая — прочитать аннотацию к работе. Она может быть либо предельно абстрактна, либо, как у Барбары Хепуорт, дать подсказку, указывая на конкретные предметы. Глядя на абстракцию, важно помнить, что она убедительно передает сложные чувства, которые невозможно выразить с помощью более конкретного изображения, — как «Биркенау», цикл Герхарда Рихтера о концлагерях.
Почему искусство так дорого стоит?
Цитата из книги
«Это безумие! Одни произведения искусства стоят миллионы, а другие — копейки.
Почему? Все дело в востребованности. Художники и стили могут входить в моду и выходить из нее.
Сегодня все знают Винсента Ван Гога и его картины продаются за миллионы. Но при жизни он продал всего одну картину! Слава пришла к нему только после смерти. Часто смерть художника помогает ему приобрести известность.
Винсент Ван Гог часто писал подсолнухи. Он работал над этой картиной — она предназначалась для гостиной, — когда у него гостил Поль Гоген. Посещение закончилось ссорой, Гоген уехал, а Ван Гог отрезал себе часть уха. Из-за этой знаменитой истории картина поднялась в цене.
Слышал ли ты о Бэнкси? Он рисует граффити на стенах и мостовых, когда никого нет рядом. Его творчество заставляет людей думать о том, что происходит в мире. Оно глубоко по смыслу, реалистично и привлекает много поклонников. Многие хотели бы иметь работы Бэнкси дома и готовы платить за них кучу денег. Но как можно владеть картиной, которая нарисована на здании или на асфальте?
Бэнкси иногда продает свои работы и выставляет их в галереях, но это случается не часто — и стоят они очень дорого.
Иногда искусство столь значимо, что не имеет цены. Оно бесценно! Пример — картины Яна Вермеера.
За свою жизнь Вермеер создал всего несколько картин. Он писал очень медленно, экономно расходуя дорогие краски. Этот портрет иногда называют «голландской Моной Лизой».
Неизвестно, кем была девушка на портрете, но ее широко открытые глаза и большая жемчужная сережка показывают, что Вермеер пользовался специальным методом для передачи цвета и светотени».
Комментарий
Цена искусства — отдельная и ужасно интересная тема. Ни один арт-дилер в этом не признается, но всем известно, что, к примеру, проблемы глобальной экономики могут повлиять на то, будет ли та или иная картина Рембрандта признана подлинником. Успешная продажа картины на торгах приводит к тому, что стоимость всех работ автора повышается, — и наоборот. Одни периоды жизни художника стоят дороже, чем другие. Искусство — такая же валюта, как доллар и евро, а главные музеи мира работают примерно по тому же принципу, что и центральные банки, — и неплохо эксплуатируют свой капитал, выпуская сувениры, авторизованные каталоги и репродукции.
Как отличить хорошее искусство от плохого?
Цитата из книги
«Искусство бывает путаным, особенно когда оно не похоже на жизнь.
В конце XIX века появилось абстрактное искусство, мало напоминающее окружающий мир. Художники стали пользоваться необычными материалами, цветами и формами. Они экспериментировали, проверяя реакцию зрителей.
Так изменилось понимание того, что хорошо и что плохо в искусстве.
Изобразив фейерверк туманной ночью, Джеймс Эббот Макнил Уистлер хотел скорее передать атмосферу, чем узнаваемые детали.
Художественный критик Джон Рёскин был в ужасе. Он сказал, что это не искусство, и обвинил Уистлера в том, что он «запустил краской прямо в лицо публике».
Слова Рёскина имели большой резонанс. Но с тех пор мнения изменились. Сегодня Уистлер считается великим художником.
Джунгли Руссо не выглядят реалистичными. Значит ли это, что перед нами плохая работа?
Чтобы научиться рисовать, Руссо копировал книжные иллюстрации.
Дикие деревья и растительность — это увеличенные до гигантских размеров растения в горшках. Тщательно нарисовав каждый листок и упростив тигра, Руссо сделал свою картину похожей на коллаж. Богатые краски, темные и яркие тона добавляют ей нереальности.
Пикассо очень нравился этот примитивный стиль, он назвал его «наивным искусством».
Поль Гоген считал, что его искусство не требует глубоких размышлений. Он пользовался насыщенными красками и четкими формами, создавая атмосферу. Живопись Гогена походит на разноцветные витражи. Сначала она не нравилась публике из-за своей нереалистичности, но теперь у его работ множество поклонников.
Как можно выставить писсуар и сказать, что это произведение искусства? В 1917 году именно так поступил Марсель Дюшан. Все, кто это видел, были потрясены.
Дюшан заявил, что художник может пользоваться готовыми вещами и что искусством правят идеи. Он хотел, чтобы люди по-новому смотрели на предметы и ценили оригинальные идеи больше, чем мастерство».
Комментарий
Автор вспоминает курьезный случай, когда критик Джон Рёскин решил, что современное ему искусство перестало быть искусством. В частности, он написал следующее: «Я никогда не ожидал увидеть шута, который просит двести гиней за то, что он плеснул ведро краски в лицо публике». Кстати, в ответ Уистлер подал на него в суд — и выиграл, хотя и вконец разорился. На дворе был 1877 год.
Сегодня этот вопрос стал еще более острым. Со времен Дюшана определение искусства только расширилось и фактически включает в себя все то, что художник создает, а музеи и галереи готовы показывать. Это значит, что в оценке качества искусства мы должны полагаться на тех самых экспертов из музеев и галерей, то есть в конечном счете — на вкус отдельных людей. Что же делать с нашим собственным вкусом? Главная задача современного искусства — быть актуальным, то есть говорить на языке сегодняшнего дня и о волнующих всех проблемах. Хорошее искусство должно задеть каждого вдумчивого зрителя, потому что оно рассказывает о нем — времени, в котором он живет, страхах и надеждах, неуверенности в будущем, любви и ненависти.
Как быть, если оно оставляет вас равнодушным? Единственный разумный выход, который остается и именитым критикам, и простым посетителям музеев, — внимательно изучить жизнь художника, разобраться с тем, отчего его показывают в музее. И тогда мы получим ответ на вопрос, почему этот художник хороший: потому что он изменил мир.
Издательство
«Ад Маргинем Пресс», Москва, 2017, перевод А.Соколинской
Жанры в изобразительном искусстве и живописи. Деление картин по жанрам
Произведения изобразительного искусства, главным образом живопись, делятся по жанрам.
В зависимости от предмета изображения в XVII в. жанры делили на «высокий» (grand genre) и «низкий» жанр (petit genre). К «высокому» жанру относили исторический жанр: батальный, аллегорический, религиозный и мифологический; к «низким» — сцены из повседневной жизни: портрет, пейзаж, натюрморт, анимализм.
Став формой отображения жизни, жанры живописи не являются неизменными, они развиваются вместе с жизнью, меняясь по мере развития искусства.
Некоторые жанры отмирают или обретают новый смысл (например ванитас, каприччо и ведута), возникают новые, обычно внутри ранее существовавших (например, внутри пейзажного жанра появились городской пейзаж, морской пейзаж и интерьер), а некоторые объединяются (сейчас ню, бытовой, исторический, мифологический, аллегорический, религиозный и батальный жанр чаще заменяется термином фигуратив).
|
|
|
|
|
Аллегорический жанр (от греч.  allegoria — иносказание) — жанр изобразительного искусства, в котором в художественное произведение закладывается скрытый и тайный смысл. В этом жанре трудно изобразимые идеи (например добро, сила, власть, справедливость, любовь и т.д.) показываются иносказательно через изображения живых существ, животных или человеческих фигур с атрибутами, за которыми исторически закрепился символический, легко читаемый смысл. Аллегорический жанр наиболее характерен для искусства Возрождения, маньеризма, барокко, классицизма.
|
|
|
|
|
| |
|
|
|
|
|
|
|
|
|
|
|
|
|
|
|
|
| |
|
|
|
|
|
|
|
|
|
|
| |
|
|
|
|
|
|
|
|
|
|
|
|
|
|
|
|
|
|
|
|
|
|
|
Парсуна (от лат. persona — личность, особа) — условное наименование произведений русской портретной живописи XVII в. — переходная между иконой и светским произведением форма портрета. |
|
|
|
|
|
|
|
|
|
|
| |
|
|
|
org/ImageObject»>
— «суета, тщеславие») — жанр живописи эпохи барокко, аллегорический натюрморт, композиционным центром которого традиционно является человеческий череп. Подобные картины, ранняя стадия развития натюрморта, предназначались для напоминания о быстротечности жизни, тщетности удовольствий и неизбежности смерти. Наибольшее распространение получил во Фландрии и Нидерландах в XVI и XVII веках, отдельные примеры жанра встречаются во Франции и Испании.
Я.Алексеев, М.Н.Воробьёв, С.Ф.Щедрин.
org/ImageObject»>
mythos — предание) — жанр изобразительного искусства, посвященный героям и событиям, о которых рассказывают мифы и легенды древних народов.
Ими могут быть: посуда, домашняя утварь, фрукты, овощи, цветы, дичь или любое их сочетание. Самые известные школы в написание натюрморта — фламандская и голландская, в которых по-своему решили задачу передачи цвета и композиции.
Почти во всех натюрмортах Хондекутера рядом с битой дичью изображены живые звери, что делает картины необыкновенно выразительными и динамичными. Веникс очень часто показывал дичь на фоне парков. Благодаря сопоставлению зелени деревьев и теплых оттенков шерсти животных и оперения птиц изображение становилось необыкновенно выразительным и красочным.
pastorale, пастушеский, сельский) — жанр поэтизирующий мирную и простую сельскую жизнь.
© Материал подготовлен художественной галереей Арт СПб
При полном или частичном копировании прямая ссылка на сайт — www.
art-spb.ru обязательна!
Повторение в фотографии Композиция (узор и ритм) • PhotoTraces
Повторение в фотографии и узор в фотографии — это два фундаментальных принципа композиции.
Аккуратно используя повторы или шаблоны, вы можете вовлечь зрителя прямо в свои изображения и удерживать его внимание в течение нескольких минут, даже часов .
Итак, если вы готовы узнать, как вывести свои композиции на новый уровень…
…тогда читайте дальше.
Что такое повторение композиции в фотографии?
Повторение относится к повторяющимся элементам в пределах одного кадра.
Например, линия деревьев, протянувшаяся через кадр, будет повторять одну и ту же форму снова и снова.
Натюрморт с яблоками будет повторять один и тот же цвет и форму фруктов на протяжении всей композиции.
Осенний пейзаж будет повторять одни и те же оранжевые и красные цвета, куда бы вы ни посмотрели.
Повторение.
Однако повторение не всегда так однозначно; на самом деле, это может быть довольно абстрактно. У вас могут быть повторяющиеся цвета, повторяющиеся формы, повторяющиеся текстуры или повторяющиеся тона. Чем абстрактнее повторение, тем менее мощным оно (обычно) кажется. Но цель не всегда состоит в том, чтобы создать самое сильное повторение — вместо этого вы можете создать тонкое повторение с более абстрактными элементами, которые могут создать основной уровень интереса (и даже движения) во всей сцене.
Хотя не на каждой фотографии обязательно должно быть повторение, это мощный композиционный элемент, который увлечет зрителя, пока он делает вашу фотографию. Так что включайте его по возможности!
Что такое узор в композиции фотографии?
Шаблон — это то, что получается при включении нескольких повторяющихся элементов.
Другими словами:
Повторение (обсуждалось выше) является строительным блоком для шаблона.
Возможно повторение без шаблона; например, у вас могут быть только две горы одинаковой формы, которые повторяют , но не создают истинного узора.
Однако, как только у вас есть определенное количество повторяющихся элементов, узор начинает обретать форму.
Узоры почти всегда хороши в фотографии, потому что они помогают перемещать взгляд по кадру. Зрители искусства любят узоры, а зрители искусства любят , следующих за узорами вокруг фотографии.
Таким образом, если у вас есть повторяющиеся деревья, уходящие вдаль, у вас в конечном итоге получится дерево паттерна . И зритель будет вынужден следовать за линией деревьев до точки их схода на горизонте.
Образцы деревьев и фонарных столбов
Если у вас есть море, полное бурных волн, у вас в конечном итоге будет волна узор . И зритель захочет следовать за волнами, пока они не перестанут быть видимыми.
Обратите внимание, что узоры — это не только фотография.
Мы постоянно видим закономерности в реальной жизни, и нас тянет к ним.
Фотография, которую я сделал в порту Окленда (Калифорния), полна узоров. На переднем плане три скамьи образуют простой узор. С левой стороны 10 или около того погрузочных кранов создают геометрически сложный узор. А с правой стороны грузовые контейнеры образуют красочный узор.
Узоры мощные .
Где можно найти узоры в пейзажной фотографии?
Для фотографов-пейзажистов поиск шаблонов может быть простым.
Почему?
Потому что они существуют повсюду в природе.
Например, если вы снимаете пустыню, на песке будут узоры (например, небольшие повторяющиеся линии волн, создаваемые ветром).
Песчаные узоры
А если вы снимаете сцену с горами, вы можете найти группу повторяющихся цветов для включения на передний план. Благодаря тщательному позиционированию они тоже могут превратиться в узор!
Цветочный узор
А если вы снимаете ночной пейзаж, звезды на небе могут создать завораживающий узор.
К тому же, если бы они отразились в озере внизу, узор расширился бы еще больше.
Итак, самый простой совет, который я могу вам дать для поиска закономерностей в природе, это просто посмотреть . Просто откройте глаза и осмотрите свое окружение.
Я гарантирую, что где-то рядом есть пара или .
Несколько моделей Брайс-Каньона
Другая стратегия поиска паттернов состоит в том, чтобы специально искать повторения, а затем смотреть, сможете ли вы скорректировать свою композицию, чтобы создать полноценный паттерн.
Итак, вы можете найти несколько интересных камней на пляже, затем поискать другие интересные камни, затем найти облака в небе, которые повторяют форму камней — и, прежде чем вы это узнаете, у вас будет потрясающая фотография.
Как ритм связан с повторением и паттерном
Ритм относится к визуальному beat , изготовленный из повторяющихся и/или узорчатых элементов.
Итак, если у вас есть несколько одинаковых повторяющихся элементов, расположенных на равном расстоянии друг от друга, у вас будет устойчивый ритм.
А если у вас по кадру разбросаны десятки элементов, то ритм будет хаотичным и заставит зрителя растеряться и затаить дыхание.
Сложный городской узор из форм, тонов, текстур и цветов
Хотя единого «лучшего» ритма для съемки не существует, важно, чтобы вы сохраняли контроль над ритмом на своих фотографиях. Заранее определите желаемый ритм и воплотите его в жизнь.
Но как изменить ритм композиции?
Просто включайте и исключайте различные шаблоны. Как я объяснил выше, именно повторения и паттерны создают ритм, поэтому, аккуратно включая и исключая повторяющиеся элементы, вы можете создать идеальный ритм.
Имеет смысл?
Если вам нужен размеренный, упорядоченный ритм, выбросьте хаотичные участки композиции и измените кадр без них.
Если вам нужен хаотичный, беспорядочный ритм, сосредоточьтесь на том, чтобы избавиться от упорядоченно повторяющихся элементов. Вы все еще можете включить повторение — на самом деле, я рекомендую это — но убедитесь, что оно равно 9.
0009 беспорядок повторение.
Типы ритмов в фотографии Композиция
Хотя ритм бывает разных форм, вот несколько общих типов ритма в фотографии, которые я предлагаю вам изучить, начиная с:
Повторение, но повторяющееся через всю композицию. Подумайте о снеге, слипшемся на сосне, или о цветах, развевающихся на ветру; пока есть повторение, порядка нет.
Деревья и кусты образуют узоры со случайными ритмами
Случайный ритм придаст вам затаивший дыхание, хаотичный вид, о котором я говорил в предыдущем разделе, так что если это ваша цель, то это отличный способ.
Случайный ритм зачастую легче всего найти в природе, потому что, хотя природа включает в себя множество повторений, она редко бывает упорядоченной.
Так что, отправляясь на пейзажную фотосессию, помните о случайном ритме! Вы никогда не знаете, когда вы можете найти некоторые из них.
Случайный узор Гранд-Каньона
Регулярный ритм
Регулярный ритм является полной противоположностью произвольному ритму:
Он прямой, упорядоченный и четко определенный.
Регулярный ритм включает в себя повторение через равные промежутки времени и с одинаковыми элементами.
Например, если вы сфотографируете кирпичное здание, все аккуратно расположенные кирпичи создадут правильный ритм.
Обычный ритм может быть довольно скучным и обыденным, поэтому я рекомендую вам избегать его в большинстве ситуаций. Но если вы сможете найти регулярный ритм в обычно случайном окружении, то у вас будет возможность сделать совершенно уникальный кадр!
Прогрессивный ритм
Прогрессивный ритм куда-то идет .
Вместо того, чтобы оставаться одинаковым по всему кадру, прогрессивный ритм заставляет глаз двигаться к какой-то конечной точке.
Например, скалы, ведущие к закату, будут постепенно уменьшаться по мере их продвижения к горизонту.
И стены собора достигают конечной точки, выгибаясь вверх.
Из-за своей динамичности прогрессивный ритм обладает большой энергией, поэтому он может стать отличным трюком в вашем фотографическом арсенале!
Обратите внимание, что прогрессивный ритм может исходить от вас как от фотографа.
Если вы снимаете волны, исчезающие вдали, волны будут казаться меньше — и в процессе создания прогрессивного ритма. Неважно, что волны никогда не на самом деле стали меньше, важно лишь то, что на фото волны кажутся сжимающимися.
Переменный ритм
Переменный ритм представляет собой компромисс между случайным и регулярным ритмом.
Включает в себя два движения вперед и назад, чтобы создать подвижный, энергичный, финальный ритм.
Yosemite National Park
Итак, если у вас есть кадр с горами и соснами, объекты могут чередоваться друг с другом, чтобы создать уникальный ритм.
Повторение композиции в фотографии | Заключение
Узоры, повторение и ритм в фотографии — полезные понятия, особенно для тех, кто хочет улучшить свои композиционные навыки.
Надеюсь, теперь вы чувствуете себя мастером фотографических узоров и готовы начать практиковаться в повторении и ритме самостоятельно!
Статьи, относящиеся к теме «Повторение в композиции фотографии (рисунок и ритм)»
Правило третей | Безумная фотография
Правило третей — один из самых полезных приемов композиции в фотографии.
Это важная концепция для изучения, поскольку ее можно использовать во всех типах фотографии для создания более привлекательных и сбалансированных изображений.
Конечно, правила никогда не следует применять вслепую, особенно в искусстве, поэтому вы должны думать об этом скорее как о удобном «эмпирическом правиле», а не как о высеченном на камне. Тем не менее, чаще всего это дает приятную фотографию и является отличной отправной точкой для любой композиции.
Что такое правило третей?
Правило третей включает мысленное разделение изображения на две горизонтальные и две вертикальные линии, как показано ниже. Затем вы размещаете важные элементы в своей сцене вдоль этих линий или в точках их пересечения.
Правило третей сетки. Важные элементы (навес и граница между землей и деревьями) расположены вдоль линий и на пересечениях. Изображение Мартина Гоммела.
Идея состоит в том, что композиция со смещением от центра более приятна для глаз и выглядит более естественно, чем композиция, в которой объект находится прямо в центре кадра.
Это также побуждает вас творчески использовать негативное пространство, пустые области вокруг вашего объекта.
Как использовать правило третей
При кадрировании фотографии представьте, что сцена разделена, как показано выше. Подумайте, какие элементы фотографии наиболее важны, и постарайтесь расположить их на линиях и пересечениях сетки или рядом с ними. Они не должны быть идеально выровнены, пока они близки.
Горизонт и главный объект на этой фотографии расположены рядом с линиями или пересечениями для максимального эффекта. Изображение К. Прасловича.
Возможно, вам придется передвигаться, чтобы получить лучшую композицию. Это заставляет вас более тщательно обдумывать кадр и является хорошей привычкой, позволяющей понять, используете ли вы правило третей или нет.
Чтобы помочь вам, некоторые камеры имеют настройку, которая накладывает сетку правила третей на вашу фотографию. Это устраняет все догадки и помогает вам получить еще более точное позиционирование.
Примеры
Правило третей очень универсально и может быть использовано на любом предмете. Ниже приведены некоторые примеры его эффективного использования в различных типах снимков.
Изображение Андреаса Вониша.
На пейзажных снимках горизонт обычно располагается по центру кадра, но это может придать фотографии ощущение «разделения надвое». Вместо этого поместите его вдоль одной из горизонтальных линий.
Попробуйте включить другой интересный объект, например дерево на фото выше, и расположите его по правилу третей. Это обеспечивает «якорь», естественный фокус сцены.
Изображение Меган Литц.
Лучше расположить людей по одну сторону кадра. Это дает некоторую «передышку», показывает окружение объекта и не дает фотографии выглядеть как фотография.
Мы естественным образом притягиваемся к глазам людей. Разместите их на одном из пересечений сетки по правилу третей, чтобы придать снимку четкий фокус.
Изображение Прем Ананд.
Здесь главный предмет был размещен на одном из пересечений, а также вдоль одной вертикальной линии. Веточка примерно следует верхней горизонтальной линии. Пустое пространство в левом нижнем углу обеспечивает баланс и предотвращает ощущение перегруженности изображения.
Изображение Денниса Джарвиса.
Вертикальные объекты, такие как этот маяк, могут разделить фотографию на две части почти так же, как горизонт может сделать это по горизонтали. Чтобы избежать этого, расположите их не по центру композиции.
Изображение от muskva.
При фотографировании движущихся объектов располагайте их как обычно, но также обращайте внимание на направление их движения. Как правило, перед ними следует оставлять больше места, чем позади, чтобы показать, куда они идут.
Использование программного обеспечения для редактирования
Вы можете легко применить правило третей к существующим фотографиям, обрезав их. Это позволяет вам перемещать важные объекты на вашем изображении, перемещая их в более приятные места.